Maurizio Montagna – Photographer, Italy


LS: What poetics or artist influenced your work most?

MM: As many italian artists, at the beginning of my career Luigi Ghirri had a strong influence on me: I found very interesting his enchanted glance at reality without losing the contact with the subject. Another very important author for my creative development was Paolo Monti. His way of photographing was simply perfect; he had an extremely clear vision of reality and was a precursor of the so called urban landscape photography. Then the contemporary American photography had a strong impact on my work: Robert Adams and Lewis Baltz transmitted me their rigor and attention to the detail made up with little particulars. Ed Ruscha is the author that most made me understand that the sign and the graphic approach related to an idea can give sense to an entire work.

LS: What does a photographer do when not taking photos? What activities not strictly related to photography somehow influence your work?

MM: I do not know what a photographer does when he\she doesn’t photograph. For me, my free time is very linked to my passions, one of these is fly-fishing. I found many connections between fly-fishing and photography; even Steven Shore wrote a short essay that finds a link between the way the photographer decides the location and the decisive moment of the shooting and the fisherman who determines the same elements, that is the position and the correct moment which can help him to catch the prey. Another passion is cooking; even in cooking, like in photography, the cook performs an aesthetic act in relation to the food he\she is preparing. I have to mention Manuel Vasquez Montalban, who stated that the act of cooking (and its aesthetic implication) helps the human beings to exorcise the death and also to find a morally acceptable way to implement the carnage. That’s what artist does with reality: he elaborates it conceptually by bringing out an aesthetic and significant act that can make reality more bearable.

LS: Photography is often seen as selection of reality, and often the photographic ‘subject’ hints at what has been left out.  In your work ‘Bilboards’ what could be the object that was left out is in fact placed in the middle of the photograph, thus saturating any ‘other’ meaning and cancelling context.  How was this project born?  How did you achieve so many layers of meaning in images apparently so simple?

MM: At the beginning the aspect I wanted to focus on was the emptiness. The first series of Billboards showed a strong connection between the surrounding space and the empty Billboard. Later on, after a year, I realized that this absence was instead a very cumbersome presence located in the urban space. At this point, I started to “reduce” the framing, in order to remove the surrounding context, and I chose to photograph a rectangular geometric space, as if I had to photograph an empty viewfinder. At that point I realized that the surrounding space beyond the signs did not interest me anymore. I think that the stratification of different meanings emerges from the simplicity of the project; the reality is already a container of many meanings, I have done nothing other than cleaning up the reality from the interference of the surroundings. I’ve done this also through the black and white choice, so sharp and clear. A subject like Billboards, so bulky and heavy, had to be treated with the right lightness in order to get the right balance and not weigh down too much this continuous stream of empty signs.

LS: In your book ‘Bilboards’ much stress is put on texts. What in your view is the significance of the relationship between photography and writing? How can the photographer be complemented by the writer and vice versa?

MM: Billboards was certainly born thanks to a literary obsession that I have towards a great writer: Jose Saramago. Two books in particular helped me to observe empty billboards differently, Blindness and Seeing. Both novels have completely inspired me. In these books I found themes that made me see reality differently, I was able to analyze issues related to different areas from those addressed by the writer, who explores in a surreal way historical, political and social themes. Writing and photography can create a mutual synergy, on condition that the authors who are facing the same theme don’t have the attitude to make the writing a photographic act and vice versa. Concerning the critical essay of the book, Francesco Zanot, editor of the book, has worked specifically in the edition of texts and also chose the critics who wrote in the book. This essays brought a transversal and interesting interpretation of my work, even if I believe art should be by nature self-explanatory: as Robert Adams wrote in his Why people photograph, “sometimes remarks about the profession by people like Stieglitz and Weston were inspiring, but almost nothing they said about specific pictures enriched my experience of those pictures”.

LS: What stage do you prefer in a photographic project and why?

MM: Perhaps the phase I like most during the realization of a project is the final choice of the images,  the selection of different sequences. In case of an exhibition, when I decide which kind of installation I want in relation to the space I can use. For a book, how do I want it to be graphically set-up. All these kinds of choices are a sort of verification of the project, which I find extremely important in order to give the right identity to the work. Making good pictures is obviously important, but in order to clearly define the identity of a project, you have to define the concepts, and this often lies in the right choice of images.

LS: Could you describe the experience of shooting a place you’ve never been to before?

MM: The experience of taking photographs in an unknown place is always a bit confusing, just like when I go fishing in a river for the first time. It is important to be able to “read” the signs and signals in order to find the perfect position, because in both cases the point of view is crucial. For photography, of course, the point of view establishes a connection with potential subjects, and helps us to take the right distance, then the lens will think about approaching the scene. Just like fly fishing, the point of view allows you to watch without being seen, and helps you decide if further adjustments need to be done before starting the action which will create a connection with the “prey / subject”.

LS: What are you working on?

MM: Right now I’m actually developing different themes which, even if they’re correlated, are slightly different. I’m working on studies which make a connection between perspective, geometry and time, three basic elements of photography. These studies go in the same direction and aim to determine the ambiguous value of reality once it is photographed. I’m also working on the development of a portfolio called Kaleidoscope, a series of works developed in parallel with Billboards but different in the concept: the aim of Kaleidoscope is not to continuously photograph the same subject, but try to work on different elements which can have the same artistic meaning.

Interview curated by Andrea Gaio

Maurizio Montagna – Fotografo, Italia


LS: Qual è stata la poetica o l’artista che ha influenzato maggiormente il suo lavoro?

MM: Come molti autori della mia generazione agli inizi del mio percorso ho subito varie influenze, primo fra tutti tra gli italiani Luigi Ghirri: le sue fotografie hanno sempre portato alla luce uno sguardo incantato nei confronti della realtà, ma senza perdere mai il contatto con il soggetto. Un altro autore che ho amato molto è Paolo Monti, il suo modo di fotografare era semplicemente perfetto. Aveva una visione estremamente lucida della realtà ed è stato il precursore della cosiddetta fotografia del paesaggio urbano. In seguito, la fotografia americana contemporanea ha avuto un forte impatto sul mio sviluppo creativo; Robert Adams e Lewis Baltz mi hanno trasmesso quel rigore e attenzione per il particolare fatto di piccoli dettagli. Ed Rusha è l’autore che maggiormente mi ha fatto capire quanto in fotografia il “segno” e l’approccio “grafico” in relazione all’ idea possano dare senso compiuto al lavoro.

LS: Cosa fa un fotografo quando non fotografa? Quali sono le attività non direttamente inerenti alla fotografia che in qualche modo influenzano il suo lavoro?

MM: Io non so cosa fa un fotografo quando non fotografa. Per quanto mi riguarda il mio tempo libero è legato molto alle mie passioni, una di queste è senza dubbio la pesca a mosca. Devo dire che ho scoperto molte relazioni tra la pesca a mosca e la fotografia; addirittura Stephen Shore ne ha scritto un breve saggio che mette in relazione l’approccio del fotografo intento a decidere la posizione e il momento decisivo della ripresa fotografica e il pescatore che deve determinare gli stessi elementi, posizione e tempo per insidiare la propria preda. Un altra passione è cucinare. Alla fine il cuoco compie un gesto “estetizzante” nei confronti dell’alimento che va a preparare. Per dirla alla Manuel Vasquez Montalban, cucinare aiuta gli esseri umani ad esorcizzare la morte e a trovare un modo moralmente accettabile per attuare la carneficina. E forse è un pò quello che fa l’artista con la “realtà”: la elabora concettualmente, e ne trae un fatto estetico, rappresentativo, e non ultimo significativo che possa rendere la realtà più sopportabile.

LS: È convinzione comune che la fotografia sia una selezione del reale e spesso il “soggetto” fotografico allude a quello che è stato escluso. Nel suo lavoro ‘Bilboards’ quello che potrebbe essere l’ oggetto escluso è posto al centro della fotografia, andando a saturare qualsiasi significato “altro” annullando il contesto. Come è nato questo progetto? Come ha ottenuto la stratificazione di così tanti significati in immagini apparentemente così semplici?

MM: L’aspetto iniziale che mi interessava mettere a fuoco nella serie di billboards era il vuoto. La prima serie di Billboards infatti mette molto in relazione lo spazio circostante e il cartello vuoto; solo in seguito, dopo circa un anno, mi sono accorto che questa assenza era di fatto una presenza ingombrante collocata nello spazio urbano. Da questo punto in poi ho iniziato a “chiudere” l’inquadratura, quasi ad annullare il contesto circostante; di fatto ho scelto di riquadrare uno spazio geometrico rettangolare, come se fotografassi un mirino di una macchina fotografica dove non c’era inquadrato nulla. Devo ammettere che ad un certo punto mi sono accorto che lo spazio circostante non mi interessava più. La stratificazione di così tanti significati forse è emersa proprio dalla semplicità dell’esecuzione del progetto. La realtà è già un contenitore di una grande quantità di significati, io non ho fatto altro che ripulire la realtà dal disturbo circostante. Anche attraverso il metodo di realizzazione, un bianco e nero così netto e chiaro, Un soggetto come i Billboards, così ingombranti, dovevano essere trattati con la giusta leggerezza per ottenere il giusto equilibrio, e non fare pesare troppo questo flusso continuo di cartelli vuoti.

LS: Nel suo libro ‘Bilboards’ è data molta importanza ai testi. Qual è l’importanza per lei del rapporto tra fotografia e scrittura? E come la figura del fotografo può essere completata dallo scrittore e viceversa?

MM: Billboards è sicuramente nato da un ossessione letteraria che ho nei confronti di un grande scrittore: Josè Saramago. Due libri in particolare mi hanno aiutato a “guardare” dei cartelli vuoti in un modo differente, Cecità e Saggio sulla lucidità. Entrambi i romanzi mi hanno completamente ispirato: ho incontrato temi che mi hanno fatto vedere la realtà in modo differente, riuscendo a risolvere temi legati anche ad ambiti diversi da quelli affrontati dallo scrittore, che nei suoi libri approfondisce tematiche storiche, politiche e sociali, in un modo surreale. Sul fatto che scrittura e fotografia possano creare rapporti di “forza” è possibile, a patto che gli autori che vanno ad affrontare lo stesso tema siano molto bravi a non rendere fotografabile la scrittura e viceversa. Per quanto riguarda la critica, Francesco Zanot, curatore del libro, si è occupato specificamente della edizione dei testi e della scelta dei critici, scelta che mi sembra abbia portato una lettura traversale interessante del mio lavoro. Anche se penso che l’arte dovrebbe essere di per se auto-esplicativa: come scrisse Robert Adams in Why People Photograph, “a volte trovavo ispirazione in riflessioni sulla professione di gente come Stieglitz e Weston ma quasi nulla di quello che dissero su specifiche immagini mi hanno arricchito nel vederle”

LS: Qual è la fase che preferisce durante la realizzazione di un progetto fotografico e perché?

MM: Forse la fase di realizzazione di un progetto che preferisco è la parte della scelta definitiva delle immagini; scegliere la sequenza, e nel caso di una mostra o di un libro, decidere il tipo di istallazione in relazione allo spazio o come impostare graficamente un libro. Tutta questa sequenza di scelte è una sorta di verifica sul progetto, che amo molto e che trovo fondamentale per dare la giusta identità al lavoro. In ultima analisi, devo dire che fare buone fotografie è ovviamente importante, ma per definire chiaramente l’identità di un progetto , è fondamentale applicare dei concetti al lavoro, e questo spesso passa dalla giusta scelta delle immagini.

LS: Descriva l’esperienza di fotografare un luogo dove non è mai stato prima?

MM: L’esperienza di fare fotografie in un luogo sconosciuto è sempre un pò disorientante, esattamente come quando vado a pesca in un torrente per la prima volta. In entrambi i casi è importante leggere segni e segnali per cercare di trovare un punto dove “posizionarsi”, perché in entrambi i casi il punto di vista è fondamentale. Per fotografare ovviamente il punto di vista ci mette in relazione con i potenziali soggetti, e a prenderne le giusta distanza, poi ci penserà l’obiettivo ad avvicinare la scena Esattamente come per la pesca a mosca, il punto di vista permette di guardare senza essere “visti”, e decidere, se ne fosse il caso, di ulteriori aggiustamenti prima di iniziare l’azione che permetterà di metterti in contatto con la “preda/soggetto”

LS: A cosa sta lavorando?

MM: In questo periodo sto mettendo a punto una serie di temi, che pur correlati da loro, sono leggermente differenti, tutto legato ad una serie di studi che mette in relazione prospettiva, geometria e tempo, tre elementi fondamentali della fotografia. Questi studi vanno in una direzione precisa che permette di determinare il valore talvolta ambiguo della realtà, una volta fotografata. Un altro lavoro che sto portando avanti è la messa a punto di un portfolio che ha come titolo Caleidoscopio; una serie di fotografie eseguita parallelamente a Billboards ma che, differentemente da Billboards, ha come pressupposto non di fotografare sempre le stesso soggetto, ma lavorare su elementi differenti cercando di determinare lo stesso significato.

Intervista a cura di Andrea Gaio